Foto: Roxanne De Roode

Die Grammy-nominierte Sängerin Beth Hart ist zurück und veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes neues Album “You Still Got Me”, das jetzt über Provogue / Mascot Label Group erscheint. Zur Feier des Tages hat Beth Hart ein neues Video zum Album Opener, „Savior With A Razor“, veröffentlicht. Der Song ist in Zusammenarbeit mit dem legendären Guns N’ Roses-Gitarristen Slash anstanden. Offizielles Video “Savior With A Razor” feat. Slash: https://www.youtube.com/watch?v=KYnBHKnOSpE

Der Track, ein mitreißender Rock Song, mit  kraftvollen Text: „Dig my bad bones out the trash, sell my sick soul, keep the cash, kiss the preacher, kiss my ass, I’m a rager, like a savior, with a razor, I’m takin’ the devil down“. Diese Bond-ähnliche Hymne donnert mit nihilistischem Trotz, und Beths überragende Gesangsleistung führt den Hörer durch die Schatten und bricht mit Slashs elektrisierender Gitarre, die sich um die Geschichte wickelt, durch die Decke. Die beiden Künstler vereinen sich in einer dynamischen und intensiven Performance, die ihre unbestreitbare Chemie unter Beweis stellt. „Beth Hart ist eine der Künstlerinnen, mit denen ich am liebsten zusammenarbeite“, sagt Slash. „Sie ist eine unglaubliche Sängerin und Texterin auf so vielen Ebenen. Aber Beth ist auch eine sehr aufrichtige und echte Freundin. Sie ist unglaublich.“ „Slash ist ein echter Teamplayer“, bekräftigt Beth. Ich habe in diesem Geschäft schon einige unglaubliche Leute kennengelernt, die sehr profiliert sind, und dieser Typ ist der beste Teamplayer, der mir je begegnet ist. Er ist einfach ein knallharter Typ ohne Ego. Ich hatte wirklich Glück. Ich habe ihm die Hand gereicht und gesagt: „Hey, Mann, hättest du Interesse?“, und er war total begeistert, und ich war einfach schockiert.“ Das begleitende Video aus dem Studio fängt die rohe Energie des Aufnahmeprozesses ein und bietet einen Blick hinter die Kulissen auf Beths intensive Gesangsleistung, während sie zu Slashs elektrisierender Gitarrenarbeit singt. Das Video hebt Beths kraftvolle Präsenz hervor, die den dunklen, trotzigen Geist des Songs zum Leben erweckt, während Slashs Gitarre dem kühnen und fesselnden Sound des Songs eine elektrisierende Ebene hinzufügt. Der Album Release von ‘You Still Got Me’ folgt auf die Veröffentlichung mehrerer Singles und Musikvideos, die die Fans in ihren Bann gezogen und die Bühne für das gesamte Album bereitet haben. Das zu Herzen gehende „Wonderful World“, das für Beths Nichte geschrieben wurde und von den Frauen in ihrer Familie inspiriert ist, zeigt ihr sehr persönliches Songwriting und ihren Optimismus. Auch Little Heartbreak Girl bietet eine erbauliche Botschaft der Hoffnung und Stärke, mit Beths kraftvoller Stimme, die eine ermutigende Hymne liefert. ‘You Still Got Me’ ist Beth Harts elftes Studioalbum und präsentiert sie erneut als einer der stärksten Stimmen der zeitgenössischen Musik. Das Album enthält eine Reihe von herausragenden Titeln, darunter „Savior With A Razor“ und die Zusammenarbeit mit bekannten Künstlern wie Eric Gales bei dem groovigen „Suga N My Bowl“. Diese Veröffentlichung folgt auf den Erfolg ihres 2022 erschienenen Albums ‘A Tribute To Led Zeppelin’, welches in Deutschland auf Platz 4 der Albumcharts landete und dem Album ‘War In My Mind’, welches im September 2019 auf den 6. Platz der Charts einstieg. Mit You Still Got Me entblößt Beth Hart einmal mehr ihre Seele und liefert ein Album, das sowohl roh als auch ermutigend ist und Themen wie Widerstandsfähigkeit, Liebe und Selbstfindung berührt. Im November und Dezember kommt Beth Hart nach Deutschland um ‘You Still Got Me’ ihrem Publikum live zu präsentieren:
TOURDATEN

16.11. Mannheim – SAP Arena

18.11. Köln – Lanxess Arena

20.11. Hannover – ZAG Arena

22.11. Berlin – Max-Schmeling Halle

24.11. Hamburg – Barclays Arena

05.12. Nürnberg – Kia Metropol Arena

11.12. Zwickau – Stadthalle (Solo Show)
Beth Hart Online:

www.facebook.com/officialbethhart

www.twitter.com/BethHart

www.instagram.com/officialbethhart

www.youtube.com/user/BethHartMusic

www.bethhart.com

Fotos: Felix Pitscheneder

Wollen wir nicht alle „Bitte Meer!“ vom Leben? „Bitte Meer!“ Zeit für die schönen Dinge, „Bitte Meer!“ Erfolg und Bestätigung, dass wir es richtig machen, „Bitte Meer!“ von der süßen Vergangenheit, in der wir uns über so viele nervige Nebensächlichkeiten noch nicht den Kopf zerbrechen mussten! Einfach Meer! Raus aus dem Hamsterrad, und ein paar Wochen abtauchen! Weg vom Alltag. Den Herrgott einen guten Mann sein lassen, wie man so selbstverständlich zu sagen pflegte. Oder Frau. Oder auch keines von beiden. Ach, schon wieder den Kopf zerbrochen. Wer versperrt uns eigentlich den Weg zum Glück? Sind wir es am Ende selber und machen es uns nur unnötig schwer? Monobo Son jedenfalls können eine ganz eigene Geschichte vom Glück erzählen. Dass die Band mit „Bitte Meer!“ ihr nunmehr viertes Studioalbum präsentiert, ist echtes Glück. Es hätte genauso gut sein können, dass Monobo Son mit diesem Zeitpunkt an ihrem Ende angekommen wären. Zwangspause, personelle Wechsel, alles anders. Ob es weitergehen würde, stand ernsthaft in Frage. Die entscheidende Erkenntnis kam wie so oft auf der Bühne. Auch in neuer Konstellation und nach langer Unterbrechung war sie noch da, die Energie, die Lust und auch die Lieder kamen wieder. Anders als bei den meisten früheren Stücken, wo oft kleine und große menschliche Schicksale mehr oder weniger ausgedachter Charaktere erzählt wurden, geht es beim neuen Werk viel unmittelbarer zu. Songschreiber Manuel Winbeck blickt diesmal hinein, in sich, die Band und die Zustände, die das Leben der Menschen um ihn herum beherrschen. Dabei braucht man aber nicht zu befürchten, dass Monobo Son ihre gewohnte Leichtigkeit verloren hätten. Was auf dem Papier still und schwer wiegend klingt, fällt in Wirklichkeit voller Energie und Lebenslust aus. Die feierliche „Fanfare“ testet aus, ob der Boden hält und kündigt die Rückkehr von Monobo Son an, „Meer“ meditiert sich von der heimischen Terrasse aus bis nach  Palermo, „Kanapee“ reißt uns aus der gemeinschaftlichen Lethargie und während „Manchmal“ die undurchbrechliche Sucht nach dem Paradebeispiel einer toxischen Beziehung schmerzlich vermittelt, beschreibt „Oamoino“ das Glück zweier Menschen, die nicht viel außer einander und damit alles haben, was sie brauchen.Anders als der Titel vielleicht vermuten ließe, lädt „Kanapee“, die erste Single aus dem neuen Monobo Son Album „Bitte Meer!“ nicht zum gemütlichen Verweilen am Sonntag nach einem üppigen Mittagessen ein. Es geht vielmehr um die Erkenntnis, wie oft im Alltagstrott die schönen Dinge, Wünsche und Träume der inneren Couchpotato zum Opfer fallen. Und genau dieser Kartoffel sagen die treibenden Bläser und energischen Beats den Kampf an. Eine Realitätswatsch’n genau zur richtigen Zeit. Runter vom Kanapee und rein in’s Leben. Das Video zu „Kanapee“ sieht Mensch hier: https://youtu.be/gC6okTOBtsc

Die aktuelle Single „Fanfare“, die gleichzeitig auch Eröffnungstitel des Albums sein wird, kündigt feierlich die Rückkehr der Band an. So manchen Sturm mussten Monobo Son in den letzten Jahren durchschiffen und einen Besatzungswechsel quasi auf offener See vollziehen. Diese Erlebnisse hört man der neuen Musik auch an. Die fünf Musiker lichten beherzt den Anker, wie man es von ihnen kennt, aber da ist auch noch was anderes. Dieses leise, aber unerschütterliche Wissen, dass man gemeinsam auch den härtesten Wellengang übersteht, hört man ganz deutlich, wenn man die Augen zu macht und die Fanfare beginnt. Das Video dazu sieht Mensch hier: https://youtu.be/2ES2OTTg60I

Die ganze Bandbreite eben. Wie das Leben – und auch das Meer! – halt so sind. Immer in Bewegung, auf und ab, echtes Glück, ohne Kopfzerbrechen. Das Album „Bitte Meer!“ erscheint via Urwald Records/ Zoundr/Believe am 25.10. 24 als CD, farbige Vinyl und digital.

MONOBO SON – Bitte Meer! Tour 2024:

26.10. Freising – Lindenkeller

08.11. Donauwörth – Doubles Starclub

09.11. Peissenberg – Sowieso Wuid

15.11. Landshut – Rocket Club

16.11. Amberg – Blaue Haus

22.11. Obermauerbach – Canada

06.12. Nürnberg – MUZclub

07.12. Feldkirchen-Westerham – Kulturherbst

20.12. Weiden – Die Sünde

21.12. Straubing – The Raven

27.12. München – Ampere

www.monoboson.com/#tour

Tickets gibt es hier: https://shop.monoboson.de/tickets

MONOBO SON sind:

Manuel Winbeck • Gesang, Posaune

Wolfi Schlick • Querflöte, Tenorsax

Korbinian Waller • Tuba

Benedikt Dorn • Gitarre

Paul Schmitz • Schlagzeug

www.monoboson.com

www.facebook.com/MONOBOSON 

Foto: Olafur Kiljan

Erst vergangenes Jahr veröffentlichte die preisgekrönte norwegische Metalcore-Band FIXATION ihr Debütalbum – nun folgt bereits der nächste Streich: “Speak In Tongues” ist ein konzeptionelles Mini-Album, das sich mit Themen wie Zugehörigkeit, Identität und Macht beschäftigt. In acht Tracks nehmen Fixation ihre Hörer:innen mit auf eine musikalische Reise, auf der sich nachdenklich stimmende Texte mit komplexer Klanglandschaft verbinden. Das Album wurde von Filmen und Fernsehserien wie Dune und Don’t Worry Darling sowie von Künstler:innen wie Aurora inspiriert. Fixation zeichnen sich dabei ebenso durch Raffiniertheit wie Prägnanz aus und mischen diesmal die großen Vocalmelodien von Sänger Jonas Wesetrud Hansen auch mit intensivem Screaming. “The album is about a person searching for meaning in a world that rejects them”, erklärt Hansen. “They find refuge in a cult, but quickly realize it’s no better than the society they felt excluded from. They decide to create their own cult but loses touch with themself in the process.” Hansen fügt hinzu, dass die Band schon lange von Kultbewegungen und ihrer psychologischen Kraft fasziniert ist. Aufmerksame Hörer:innen können auf dem Album zahlreiche versteckte Hinweise und Easter Eggs entdecken. Musikalisch haben Fixation ihre Entwicklung nach dem hochgelobten Debütalbum “More Subtle Than Death” (2023) fortgesetzt. Auf “Speak In Tongues” hören wir eine Band, die ihren Sound verfeinert, mit Gesangstechniken experimentiert und diverse musikalische Elemente integriert hat, um etwas Einzigartiges zu schaffen. “We believe this is our best work to date”, so Hansen. “We’ve learned so much as songwriters and instrumentalists, and this time there were no compromises. We hope the world loves this as much as we do.” “Speak In Tongues” erschien am 11. Oktober 2024 als Höhepunkt eines für Fixation ohnehin schon wegweisenden Jahres. Im Februar gewann die Band bei den Norwegian Publishing Awards die Kategorie “Breakthrough of the Year” und war außerdem mit ihrem Track “Ignore The Disarray” für “Song of the Year” nominiert. Noch nie zuvor war eine Metalband bei diesen Awards nominiert, geschweige denn ausgezeichnet worden. Den “Breakthrough of the Year”-Award haben Fixation ihrem schnellen Fortschritt zu verdanken. Inzwischen gelten sie als eine der vielversprechendsten und spannendsten Newcomer des Genres. 2023 veröffentlichten sie ihr Debütalbum und spielten international über 60 Shows, unter anderem mit bekannten Acts wie Devin Townsend, Imminence und Annisokay. Ihre intensiven, energetischen Live-Performances brachten Fixation Auftritte bei einigen der größten Festivals Europas ein, darunter Download Festival, Summer Breeze Open Air, Tons Of Rock, The Great Escape, Tuska, Masters Of Rock und Eurosonic. Internationale Medien bedachten die Band mit glänzenden Reviews und diverse prominente Unterstützer drückten ihre Bewunderung für sie aus. So erklärte Daniel P. Carter in der BBC Radio 1 Rock Show zum Beispiel: “Jordan from Bring Me The Horizon texted me and was like, ‘what band was that, what was that song called?’ Says a lot!” Alex Baker von Kerrang! Radio prophezeiht der Truppe aus Tønsberg große Erfolge: “It’s a huge sound from a band that’s going to be absolutely massive.”
You Tube: https://www.youtube.com/watch?v=NJ1yvKu_WDk

Fixation sind:
Jonas Wesetrud Hansen
Tobias Østerdal
Martin Selen
Øyvind Lunde
Ola Dønnem 

Online:

https://www.facebook.com/FixationMusic

Die Hardcore-Aufsteiger DoFlame aus Toronto haben heute ihr zweites Album BENT über Blue Grape Music (GEL, Code Orange, Spiritual Cramp) veröffentlicht. Angeführt vom 21-jährigen Punk Mateo Naranjo, ist DoFlame die Hardcore-Version eines Coming-of-Age-Films, der all die Freude, die Verwirrung und die Entschlossenheit einfängt, jung zu sein und nicht zu wissen, was als Nächstes passiert – das Ganze perfekt abgeschmeckt zwischen ungezügelter Aggression und Hip-Hop Swag. Die ersten beiden Singles „Fastlanes“ und „Can’t Stand No One“ repräsentierten die beiden Pole von DoFlame’s Sound – ersterer ein bühnenreifer Hardcore-Rocker, letzterer ein tanzbarer Punk Song. Ab sofort gibt es Naranjos Vision in vollem Albumumfang zu hören und um das gebührend zu feiern, erscheint heute das neue Musikvideo „Too Loose“. Der Track basiert auf einem groovigen Riff und einem federnden Beat, der Drums und programmierte Beats mischt und ist das perfekte Beispiel für DoFlame’s Genre-verändernde Musik ist. BENT streamen: https://doflame.lnk.to/bent
Als Künstler lag Naranjo schon immer am Herzen, eine tiefe Verbindung zur Musikszene zu haben und das Beste aus dieser Verbindung herauszuholen. Aufgewachsen zwischen dem Vorort Brampton und der Stadt Toronto, tauchte er früh in die Punk- und Hardcore-Szene ein – und war sofort begeistert von dem Gemeinschaftsgefühl, das in Underground-Subkulturen entstehen kann. Als DoFlame anfingen, Singles zu veröffentlichen und schließlich 2022 ihr Debütalbum DoStroy herausbrachten, initiierte Naranjo die Gründung von OFFLEASH, einem Kollektiv von umtriebigen Freunden und Kollaborateuren, die von Skate- und Musikvideos über Modedesign und -produktion bis hin zu Konzerten und Community-Grillparties überall in der Stadt ihre Finger im Spiel haben. „Ich wollte einfach eine Art zentralen Knotenpunkt schaffen, an dem sich alle beteiligen und mit dem sich alle identifizieren können“, sagt er. „Ich wollte, dass die Kids sehen, dass man viele coole Sachen erleben und herstellen kann und nicht nur rumsitzen und feiern muss. Ich möchte diese Szene, die wir haben, dokumentieren und der Welt durch unsere Augen zeigen, was bei unseren Freunden und in unserer Stadt passiert.“ Denselben Spirit transportiert er nun in seiner neuen Musik unter der Flagge von DoFlame: kämpferischer, eingängiger und kreativer Hardcore mit Persönlichkeit, der seinesgleichen sucht.

Online:

https://x.com/getshoved

https://www.facebook.com/getshoved

Experience Hendrix L.L.C. und Legacy Recordings, die Katalogabteilung von Sony Music Entertainment, veröffentlichen am 04. Oktober 2024 das Deluxe Boxset Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision mit Songs, die kurz vor dem Tod des Ausnahmegitarristen entstanden. Es handelt sich um 39 Tracks (38 davon unveröffentlicht), die zwischen Juni und August 1970 von der neu formierten Experience (Billy Cox am Bass, Mitch Mitchell am Schlagzeug) in den Electric Lady Studios eingespielt wurden. Zur Feier des bevorstehenden Release wird die Stadt New York am 8.August den Abschnitt der West 8th Street, der zwischen 6^th Street und MacDougal Street liegt, vorübergehend in JIMI HENDRIX WAY umbenennen. Hier stehen heute noch die Electric Lady Studios, die nach Jimis Vorstellungen gebaut wurden. An diesem Datum wird in den Räumlichkeiten auch ein großer Medienevent stattfinden. Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision hier vorbestellen: https://jimihendrix.lnk.to/ELSAJimiHendrixVisionPR

 Das Boxset enthält außerdem 20 neue 5.1 Surround Mixes des kompletten Albums First Rays Of The New Rising Sun sowie die drei Bonus Tracks “Valleys Of Neptune”, “Pali Gap” und “Lover Man”. Auf der Blu-ray wartet der von der Kritik gefeierte Dokumentarfilm Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision, der die Entstehungsgeschichte des legendären Tonstudios nachzeichnet. Es entstand aus den Ruinen eines bankrotten Nachtclubs in Manhattan und wurde genau nach Jimis Vorstellungen gebaut. Regie führte John Dermott und als Produzenten fungierten neben ihm Janie Hendrix und George Scott. In der Doku sind Exklusivinterviews mit Steve Winwood (er war bei der ersten Aufnahmesession im neuen Studio anwesend), Billy Cox, dem Bassisten der Experience und Mitgliedern des originalen Electric Lady Staff zu hören, die mithalfen, Jimis Studiotraum zu verwirklichen. Die Doku zeigt spannendes und bislang ungesehenes Filmmaterial, außerdem gewährt Toningenieur Eddie Kramer anhand von Songs wie “Freedom”, “Angel” oder “Dolly Dagger” Einblicke in die Studioarbeit. Ein umfangreiches Booklet mit unveröffentlichten Bildern, handschriftlichen Song-Entwürfen von Jimi und hochinteressanten Liner Notes rundet das Package ab. Vom selben Produktionsteam stammt auch die vor kurzem erschienene Dokumentation Music, Money, Madness… Jimi Hendrix Live In Maui, die 2022 in der Kategorie „Bester Film“ für einen GRAMMY nominiert war. Als Vorbote des Boxsets wurde eine bislang unveröffentlichte Version von „Angel [Take 7]“ veröffentlicht. Diese neu abgemischte Fassung des Tracks featurt die Originaleinspielung von Hendrix, Mitchell und Cox vom 23. Juli 1970. Mitchells Drum- und Percussion-Overdubs, die er nach Jimis Tod aufnahm, fehlen auf dieser abgespeckten Version. Hier findet Mensch das Video zu “Angel [Take 7]”: https://jimihendrix.lnk.to/AngelTake7VideoPR

Auf den fünf Vinyl-LPs oder drei CDs von Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision sind 39 Tracks zu hören, die Hendrix mit Billy und Mitch in den letzten vier Monaten seines Lebens aufnahm. Der Gitarrist arbeitete an der Fertigstellung von First Rays Of The New Rising Sun, dem Doppelalbum, das der Nachfolger seines Meisterstücks Electric Ladyland werden sollte. Inspiriert durch die Möglichkeiten, die das Studio bot, entstanden Klassiker wie “Night Bird Flying”, “Freedom” und “Dolly Dagger”. Das Boxset erlaubt einen umfassenden Blick auf Jimis Arbeit in seinem letzten Lebensabschnitt und für den Fan gibt es viel zu entdecken. Angefangen bei Demos von “Valleys Of Neptune” und “Heaven Has No Sorrow” über alternative Arrangements von vielversprechenden neuen Songs wie “Come Down Hard On Me” und “Belly Button Window”, bis hin zu Studio Live-Takes der Tracks “Tune X/In From The Storm”, “Astro Man” oder “The Long Medley”. Dazu kommt eine mitreißende, 26-minütige Improvisation über “Beginnings”, “Hey Baby (New Rising Sun)”, “Keep On Groovin’” und “Freedom”. Viele der Mixes, die Hendrix mit seinem Toningenieur Eddie Kramer fertigstellte, bevor er zu seiner Europa-Tournee aufbrach, deren Auftakt das Isle Of Wight Festival (30. August 1970) bildete, sind auf dem Set ebenfalls zu hören. Jimi sollte nach der Tour nicht mehr in sein Studio zurückkehren. Bei den neuen 5.1 Surround Mixes auf der Blu-ray von Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision handelt es sich um alle 17 Tracks des posthum veröffentlichten Albums First Rays of the New Rising Sun (erschienen 2010, aufgenommen 1969-1970). Außerdem wurden “Pali Gap” aus Rainbow Bridge (1971, 1970), “Lover Man” aus dem Boxset The Jimi Hendrix Experience (2000, 1970) und “Valleys of Neptune” aus dem Album Valleys of Neptune (2010, 1969-70) neu abgemischt. Wer den Dokumentarfilm gesehen hat, begreift, welche Bedeutung die Electric Lady Studios auch über Jimis Tod hinaus für die Musikgeschichte hatten. Künstler wie John Lennon, The Clash, AC/DC, Chic, David Bowie, Stevie Wonder und Hunderte weiterer Musiker haben hier seit seiner Eröffnung aufgenommen – so wurden die Studios zu einer beständigen Einrichtung in einer so schnelllebigen Branche. „Mein Bruder hatte eine Vision“, erinnert sich Janie Hendrix, „und mit diesem Boxset stellen wir nicht nur Jimis Musik in den Fokus, sondern auch die Electric Lady Studios. Er wollte hier eine Homebase schaffen, wo er jederzeit die Songs aufnehmen konnte, die ihm in den Sinn kamen. Auch wenn sein Leben nur kurz war – innerhalb der magischen Wände an der 8^th Street leben andere talentierte Musiker bis heute ihre Kreativität aus.”

https://www.jimihendrix.com/

Fotos Peter Ashtworth

Zur Feier des 40. Jubiläums von ‘Into The Gap’ wird das Album neu aufgelegt! Das ursprünglich im Februar 1984 veröffentlichte vierte Album der Thompson Twins erreichte auf beiden Seiten des Atlantiks Multi-Platin-Status. Es hielt sich drei Wochen lang auf Platz eins in Großbritannien und erreichte die Top Ten in den USA. Das Album brachte ganze vier Hit-Singles hervor: ‘Hold Me Now’, (Top 5 in den UK und USA), ‘Doctor! Doctor!’, ‘You Take Me Up’ und ‘Sister of Mercy’.  Das neue 4K remasterte Video zur Single ‘HOLD ME NOW’ HIER anschauen: https://www.youtube.com/watch?v=TvzVTRK1nOY&list=OLAK5uy_muWlmriMAwidLDkot0R28mPhx-dRwkMSw

Das Album wurde in den Abbey Road Studios von Frank Arkwright remastert und wird als umfassendes 3-CD-Set neu aufgelegt. Dieses enthält neue Begleittexte mit Interviews mit allen drei Bandmitgliedern, eine limitierte Auflage auf rotem Vinyl, eine digitale Deluxe-Version und eine exklusive Dolby Atmos Digital- und Blu-ray-Version auf superdeluxeedition.com. David Kosten hat die Dolby Atmos-Version abgemischt. In den vergangenen 40 Jahren seit dem kommerziellen Höhepunkt ihrer Karriere wurden die Thompson Twins heute endlich als stille Visionäre anerkannt. Die Band präsentierte sich in einer Formation bestehend aus unterschiedlichen Geschlechtern und Ethnien. Musikalisch ließen sie sich besonders von Einflüssen aus dem Nahen Osten und Jamaika inspirieren, die sie anschließend mit Unterstützung neuster Technologien und dem Produzenten Alex Sadkin (Grace Jones, Robert Palmer, Bob Marley And The Wailers) mixten und in den berühmten Compass Point Studios auf den Bahamas produzierten. Nachdem sich die ursprüngliche, sieben-köpfige Formation der Band aufgelöst hatte, nahm das verbleibende Trio bestehend aus Tom Bailey, Alannah Currie und Joe Leeway, das bahnbrechende Album „Quick Step & Side Kick“ auf, das in den USA die Top 40 erreichte und im Vereinigten Königreich auf Platz 2 landete. Tom Bailey erinnert sich an diese Zeit zurück: „Wir waren keine Band mehr, sondern plötzlich eigene Ingenieure von Popmusik. Wir teilten uns die Arbeit folgendermaßen auf: Alannah schrieb unsere Texte, ich schrieb unsere Musik und Joe, der vom Theater kam, war für unsere Live-Shows zuständig und arbeitete stets eng mit Alannah an der visuellen Präsentation unserer Band.“ Der Wandel zum Trio bedeutete auch eine musikalische Veränderung. Rückblickend sagt Alannah: „Der Grund, warum wir überhaupt in der Lage waren die Tracks in dieser Form zu produzieren, war, dass wir den Synthesizer und die Drum-Maschine für uns entdeckt hatten. Plötzlich waren wir in der Lage groß-klingende Platten mit nur drei Leuten im Studio zu realisieren. Unser Ziel war es traditionelle Instrumente und Takte mit großen Synthesizer-Sounds zu kombinieren und somit die menschliche Wärme mit den kühlen Klängen von Maschinen zu verbinden. Vor allem in Amerika wurde uns ständig vorgeworfen, dass unsere Songs ja keine ‘echte Musik’ sei, da wir das populäre Konzept des Rock’n’Roll und die Verwendung von Gitarren zugunsten von Synthesizern und Perkussion, ablehnten.“ Tom fügt dessen hinzu, dass Alannahs Texte der Schlüssel dazu waren, die Musik wahrhaftig zur Geltung kommen zu lassen: „Alannah, die unsere Texte schrieb, war absolut notwendig, um unsere Musik universell werden zu lassen. Die Worte mussten einerseits uns als Band etwas bedeuten, aber gleichzeitig auch zugänglich für all die anderen Personen da draußen sein, die wir nicht persönlich kennen und die an einem Samstagabend zu neuer Musik tanzen wollen. Alannahs Texte widerspiegeln einerseits ihre Gedanken und passten dennoch perfekt zu meiner Art der Performance. Somit konnte ich ihre lyrischen Ideen vollständig übernehmen und umzusetzen.” Auch Joe Leeway erkennt Alannahs Pioniergeist an: „Die Dinge werden heutzutage einfach anders gehandhabt. Bis hin zu Doja Cat haben Frauen nun ihr eigenes Publikum und eine damit einhergehende Autorität. Die heutigen Generationen erinnern sich kaum mehr daran, dass es damals anders war. Ich habe viel von Alannah gelernt, die viel zu dem gegenwärtigen Respekt für Frauen in einer von weiterhin männlich dominierten Welt beigetragen hat. Dass Alannah für unsere Texte verantwortlich war, trug damals definitiv dazu bei.“ Nach Fertigstellung des Albums gingen die Thompson Twins 1984 auf Tournee, um das Album zu promoten. Die Band tourte ausgiebig durch die USA, spielte ihre eigenen Shows und große Stadien als Support von The Police. Die harte Arbeit des Trios zahlte sich noch im gleichen Jahr in den USA aus, als ‘Into The Gap’ auf Platz 10 der Billboard Hot 100 einstieg und die Band, zu der auch zwei spätere Mitglieder von The Cure gehörten, eine 50-tägige Tournee absolvierte, bei der sie unter anderem ausverkaufte Shows in der New Yorker Radio City Music Hall und der Hollywood Bowl in Los Angeles spielten. Es sollte noch weitere Höhepunkte in der Karriere der Band erreicht werden – darunter der gemeinsame Auftritt mit Madonna und Nile Rodgers bei Live Aid, sowie das unterschätzte Album ‘Here’s To Future Days’. Dennoch blieb „Into The Gap“ der monumentale Erfolg der Band, mit dem die Thompson Twins den Zeitgeist ihrer Generation getroffen haben und dessen Popularität sich über zwei Kontinente erstreckte. Es war ein sehr weiter und rasanter Weg dorthin, der in einem besetzen Haus in Clapham, London, begann, in dem die Band sieben Jahre zuvor ihre Gründung feierte. Um den Kreis des Albums zu schließen, ging Tom Bailey vor kurzem noch auf Welttournee und performte das Erfolgs-Album in voller Länge vor einem treuen Publikum, welches erneut in den Genuss der klassischen Hits der Thompson Twins kommen durfte.

Online:

https://www.facebook.com/thompsontwinsofficial/