Foto Stephane Ridard

„Babel Babel“, das neue Album der französischen Supergroup Indochine,  ist im besten Sinne seltsam und großartig, beeindruckend und unvernünftig. Ein dichtes, doppeltes vierzehntes Studioalbum mit siebzehn Tracks, die die Band als fieberhaft, beunruhigend beschreibt. Losgelöst von jeglicher Form der Berechnung kehren Indochine mit unnachgiebiger Energie an die musikalische Front zurück, um sich der Welt zu stellen. Sieben lange Jahre hat es nach dem 13. Album, dass mehr als 500.000 mal über den Ladentisch ging, gedauert bis das neue Studioalbum jetzt erscheint, eine zeitliche Rekordlücke in ihrer reichen Diskografie. Doch die Band driftete weder ab noch verfiel sie in Faulheit, sondern veröffentlichte zwei Bände der „Singles Collection“, die ebenfalls über 500.000 Exemplare verkauften, um ihr vierzigstes Jubiläum zu feiern, und das unveröffentlichte „Nos célébrations“, das schnell als fester Bestandteil ihres Repertoires angenommen wurde. Sie arbeiteten auch mit Christine and the Queens an einer atemberaubenden elektronischen Neuinterpretation von 3Sex zusammen und gingen dann auf eine triumphale Central Tour, bei der sie 6 Stadien füllten u.a.mit einem Rekordbesuch von 99.000 Zuschauern im Stade de France. Ihren kreativen Prozess, der durch die Coronakrise gestört wurde, drehten Indochine instinktiv um und zum ersten Mal schrieben und komponierten die fünf Kernmitglieder mitten in den Vorbereitungen für Konzerttermine neue Songs. Es besteht kein Zweifel: Es ist diese Live-Energie, die diesem Album solch überwältigendes Leben eingehaucht hat und es weit, weit weg getragen hat. Zahlreiche Arbeitssitzungen, die im Juni 2021 in Brüssel begannen, wurden durch geografische Stopps in Paris, London und einer letzten Etappe in der belgischen Hauptstadt im August 2023 unterbrochen. Die Zähler auf Null setzen, ohne sich Ziele zu setzen, außer sich nie zu wiederholen, fasst die Einstellung der Band zusammen. „Babel Babel“, ein Titel, der an den Mythos des Turms anknüpft, ist eine biblische Reflexion über menschliche Eitelkeit. Es symbolisiert die heutige Welt, in der Verwirrung herrscht, Lärm dominiert und die Menschheit unter ihrer Unfähigkeit zur Kommunikation zerdrückt wird. Das Albumcover, gestaltet vom renommierten amerikanischen Fotografen David LaChapelle, vermittelt eine humanistische Botschaft als Antwort auf die politische und verbale Gewalt einer Gesellschaft, die ihre Orientierung verliert. Es gibt einen Hauch von Bosch und Géricault in dieser majestätischen Illustration, einer Mischung aus Tradition und futuristischer Vision. In diesem Album bildet die Kombination aus formlosen, einheitsstiftenden Melodien und scharfen, plötzlichen Wechseln eine heilige Einheit. Der kraftvolle, tadellos produzierte Sound vereint diese Wirbelsturm-Kompositionen, die mit ihren üppigen, vollen Arrangements und nervenaufreibender Intensität beeindrucken. Die Band profitiert von der Haute Couture-Mischung von Mark “Spike” Stent (The Rolling Stones, Depeche Mode, Madonna, Lady Gaga, Beyoncé, Coldplay, The Beatles, Miley Cyrus), mit dem Indochine Sänger Nicola Sirkis 41 Jahre nach Le péril jaune, wo Stent als Assistenzproduzent tätig war, wieder vereint ist. „Babel Babel“ scannt die Horizonte in alle Richtungen und überschneidet sich mit Blur, MGMT, New Order, Volodymyr Zelensky, der ehemaligen finnischen Premierministerin Sanna Marin, Henry Kissinger, dem Dichter-Maler-Dramatiker Oscar Kokoschka, Peter Pan, Liebe und Krieg, Hoffnung und Tod, Lügen und dem Christlichen, Roadmovies und Gender, dem Fantastischen und dem Chorgesang der Kinder der Bandmitglieder, und dem unhörbaren Geschrei der Fernseher der Welt. Aus den persönlichen Texten von Nicola Sirkis, der tief betroffen vom Verlust enger Freunde und Verwandter ist, entsteht ein Vokabular, das oft genauso kämpferisch ist. Zumal er moldawischen Wurzeln hat und der russisch-ukrainischen Konflikt ihn auch sehr bewegt. Das Video zur ersten Single “Le Chant Des Cygnes” sieht Mensch hier: https://youtu.be/ZAmOCXgc76U

INDOCHINE UNTERSTÜTZEN AMNESTY INTERNATIONAL, GREENPEACE, PILOTES VOLONTAIRES, MARCELEMENT, ASSOCIATION ANTOINE ALLENO AND ALL THOSE WHO FIGHT AGAINST BULLYING IN SCHOOLS AND OTHER DOMAINS… DEDICATED TO JEAN-LOUIS MURAT, ERWIN OLAF, ROBERT BADINTER, LUCAS, TO THE UKRAINIAN PEOPLE, THE WOMEN IN IRAN, AFGHANISTAN AND ALL WOMEN ON EARTH

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Bryan Ferry veröffentlicht mit „Star“ seine erste neue Musik seit über einem Jahrzehnt. Der Song wird auf dem kommenden Album „Retrospective: Selected Recordings 1973-2023“ zu hören sein, einer Sammlung von 81 Titeln, die Bryan Ferrys einzigartige Karriere als Solokünstler feiert und eine Periode von über 50 Jahren Musik und 16 Soloalben umfasst, wobei die Geschichte bis in die Gegenwart geführt wird, indem sie seine jüngsten Arbeiten dokumentiert. „Star“ entstand aus einer Skizze von Trent Reznor und Atticus Ross von Nine Inch Nails und wurde von Bryan Ferry und Amelia Barratt zu einem düster schimmernden, treibenden Post-Techno-Song weiterentwickelt. Der Song zeigt, wie Ferry weiterhin unerforschtes kreatives Terrain erkundet, wobei Barratt und Ferry ein Duett kreieren, das die Grenzen zwischen Kunst, Musik und Poesie verwischt.  „Star“ wird von einem Musikvideo begleitet, das von Bryan Ferry und James Garzke gedreht wurde und in dem Amelia Barratt die Hauptrolle spielt. Musikvideo hier ansehen (https://youtu.be/TnGTTOJvAz4?si=hDtsSz_dlmGTngM9)

 Zum Song „Star“ äußerte sich Bryan Ferry wie folgt:  „Star ist eine Zusammenarbeit mit der Malerin und Schriftstellerin Amelia Barratt. Vor ein paar Jahren half ich ihr, ein Hörbuch in meinem Studio aufzunehmen. Ich war sehr beeindruckt von ihrem Schreiben, und das ist der erste Song, den wir zusammen gemacht haben. Ich bin sehr gespannt auf diese neue Arbeit – da wird noch viel mehr kommen.“ Die 81 Titel, die „Retrospective: Selected Recordings 1973-2023“ ausmachen, erzählen eine Musikgeschichte, wie keine andere. Eine Songwriter-Geschichte, die sich über mehr als 50 Jahre entfaltet hat, wird nun in diesem kaleidoskopischen Kompendium von Bryan Ferrys Musik gefeiert. Die Veröffentlichung würdigt den Künstler, der sich als Meister der modernen Interpretation von Songs einen Namen gemacht hat, durch eine schwindelerregend einfallsreiche Reihe von Cover-Versionen, die von Bob Dylan bis Amy Winehouse, Rodgers und Hart bis Velvet Underground und von Tim Buckley, Shakespeare, Seemannsliedern bis zu Sam und Dave reichen. Dann gibt es den Songwriter, der mit Singles wie „Slave To Love“ von 1985 Musik geschaffen hat, die zu den prägenden Aufnahmen ihrer Zeit gehören und bis heute einzigartig und zeitlos klingen. Es gibt den Futuristen, der Wirbel elektronischer Musik heraufbeschwört; oder den leidenschaftlichen Revivalisten, der Songs und Stile aus den 1920er und 1930er Jahren präsentiert, als seien sie der heiße Sound von morgen. Es gibt die Figur auf der pulsierenden Tanzfläche des Nachtclubs, die das Lichtspiel des Fabelhaften beherrscht; und den Mann, der nur allein sein will, wegschleicht in brütende, bittersüße Hintergassen, wo alles neon und noir wird.  Zur Eröffnung dieser karriereumspannenden Feier hat Bryan Ferry kürzlich „She Belongs To Me“ veröffentlicht. Eine kraftvolle Neuinterpretation des Bob Dylan-Klassikers von 1965, die den Kreislauf der Geschichte schließt.  Vor fünf Jahrzehnten explodierte das Phänomen Roxy Music in einem technicolor Blitz aus Pop, hoher Kunst, exzentrischer Mode und Glamour und etablierte Bandführer Bryan Ferry als einen der vitalsten und aufregendsten Songwriter, die die britische Musik je gesehen hat. Während dieser ultra-produktiven Zeit, im Jahr 1973, startete Ferry parallel zu Roxy Music seine Solo-Karriere. Seine erste Veröffentlichung, eine kühne Neufassung von Bob Dylans apokalyptischer Hymne „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ aus dem Jahr 1962, markierte den Beginn von Ferrys Status als einer der großen modernen Song-Interpreten, parallel zu seinem unübertroffenen Songwriting und seiner Komposition. Ein Sprung in das Jahr 2024 und Bryan Ferry kehrt erneut zum Dylan-Songbuch zurück. „She Belongs To Me“ wird in einem schön rauen Stil wiedergegeben, der die Nuancen von Velvet Underground mit Ferrys prominentem Pfeifensolo seit Roxy Musics 1981er Version von John Lennons „Jealous Guy“ in Einklang bringt.  „Retrospective: Selected Recordings 1973-2023“ bringt zum ersten Mal Bryan Ferrys Klassiker veröffentlicht mit Island Records, Polydor, Virgin, E.G. Records und BMG zusammen und enthält zwei brandneue Aufnahmen. Das Album wird in mehreren Formaten veröffentlicht, darunter ein 5CD-Deluxe-Box-Set mit 81 Songs, begleitet von einem 100-seitigen Hardcover-Buch mit neuen ausführlichen Liner Notes, seltenen und ungesehenen Fotos und Bildern. Eine 2LP-Gatefold-Edition präsentiert „The Best Of Bryan Ferry“ mit 20 Songs auf schwarzem Vinyl, einschließlich Varianten wie einer grünen/blauen Vinylpressung und einer clear Vinyl-Pressung. Die 1CD-Version wird ebenfalls die gleichen 20 Songs und ein Booklet mit Liner Notes und Fotos enthalten. Die 81-Track-Edition des Albums wird digital veröffentlicht. Das 5CD-Deluxe-Box-Set ist in fünf Phasen gegliedert, wobei jede Disc einem anderen Aspekt von Bryan Ferrys Karriere gewidmet ist. „Disc One: The Best Of Bryan Ferry“ präsentiert 20 essenzielle Tracks, weltumspannende Singles wie „Slave To Love“, „The ‘In’ Crowd“ und „Let’s Stick Together“ – Songs, die fest im britischen Musikgewebe verankert sind und nach wie vor beliebt bleiben. „Disc Two: Compositions“ untersucht den Zeitraum von 1977-2014 und wie Ferrys Handwerk sich entwickelt hat. Die sich entfaltende Erzählung von „Can’t Let Go“ und die tiefe Stimmung von „The Only Face“ vermitteln, wie viele von Ferrys Songs, ein Gefühl des Rastlosen, des endlos durch Hauptstraßen und Hintergassen streifenden. Anderswo rückt das Gleiten von „Limbo“ und „Loop De Li“ Elemente von Ferrys Arbeit in den Fokus, die unverändert bleiben – immer mit einem Auge auf der Tanzfläche. Sein großes konstantes Thema jedoch ist die Liebe und deren Kosten, aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet. Drei seiner besten Aufnahmen zu diesem Thema sind hier zu finden: „When She Walks In The Room“, „I Thought“ und „Reason Or Rhyme“, jeweils gleichermaßen betörend und tief resonierend. „Disc Three: Interpretations“ feiert Ferrys Kunstfertigkeit Songs neu zu interpretieren. Seine Neuauflagen von Velvet Undergrounds „What Goes On“, Sam und Daves „Hold On, I’m Coming“ und Otis Reddings „That’s How Strong My Love Is“ zeigen, wie Ferry die Vergangenheit erkundet, als ob sie das Jetzt wäre, Genres durchstreift und vorausschauend ein Signal für die Post-Punk-Generation aussendet, das Jahre später empfangen werden soll – dass die Musik nach wie vor verfügbar ist. „Disc Four: The Bryan Ferry Orchestra“ erforscht das konzeptuelle Projekt, das Ferry mit dem Album „The Jazz Age“ 2012 begann und Musik aus seinem eigenen Repertoire neu interpretiert, als wäre sie neun Jahrzehnte zuvor von einer der großen frühen Jazzcombos aufgenommen worden. Ferry singt nicht auf „The Jazz Age“, erscheint aber in neuem Licht. Mit seiner entfernten Stimme und seinen Texten richtet sich die Aufmerksamkeit des Hörers auf sein Talent als Komponist. Ferry verfeinerte dieses Konzept in zwei weiteren Sammlungen, „Bitter-Sweet“ (2018) und „The Great Gatsby: The Jazz Recordings“ (2013) – mit Neuinterpretationen von Roxy Musics „Love Is The Drug“ und Amy Winehouses modernem Klassiker „Back To Black“ für den Soundtrack zu Baz Luhrmanns 2013er Film „Der große Gatsby“. „Disc Five: Rare and Unreleased“ versammelt B-Seiten, Extras, Kuriositäten und Outtakes. Eine schimmernde Neuauflage von Roxy Musics „Mother Of Pearl“, aufgenommen in den frühen 1990er Jahren während der Horoscope/Mamouna-Sessions mit Begleitgesang von der großartigen Ronnie Spector. „Don’t Be Cruel“ wird von Elvis’ originalen Rockabilly-Bandkollegen Scotty Moore und DJ Fontana unterstützt, aufgenommen für das Sun Records Tribute-Album „Good Rockin’ Tonight“ von 2001. Anderswo feiert Ferrys Version von „Whatever Gets You Thru The Night“, John Lennons ungezwungene säkulare Hymne von 1974, die 1995 für ein von Yoko Ono geplantes Lennon-Tribut begonnen, aber nie veröffentlicht wurde. Ferry überarbeitete den Track 2010 als Bonustrack für das „Olympia“-Album. „Retrospective: Selected Recordings 1973-2023“ feiert Bryan Ferrys verehrtes Songwriting-Talent. Die Trackliste erkundet die klangliche Vielseitigkeit und Genrevielfalt seiner Solokarriere – von Rock ‘n’ Roll bis R&B basierten Tanzrhythmen, Klavierballaden, Electronica, Ambient-Musik, Jazz, Country, Folk, Blues, Avantgarde und New Wave. Im Zentrum stehen dabei stets die unverkennbare Musikalität und der Stil von Bryan Ferry.

Retrospective: Selected Recordings 1973-2023 jetzt pre-ordern: hier

Alle Formate und Tracklistings hier.

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Fotos Gerald Jenkins

THE THE veröffentlicht “Some Days I Drink My Coffee By The Grave Of William Blake”, die dritte Single aus Ensoulment mit dazugehörigem Musikvideo. Der Song, von Matt Johnson geschrieben und gemeinsam mit Warne Livesey produziert, entfaltet eine melancholische Poesie, die tief in die Seele Londons eintaucht. Das dazugehörige Video entstand in enger Zusammenarbeit mit den langjährigen Weggefährten Tim Pope (Regie), Vicki Bennett und Peter Knight (Schnitt) und fängt die Stimmung des Songs auf visuell kraftvolle Weise ein. “Some Days I Drink My Coffee By The Grave Of William Blake” ist ein Song, an dem Matt Johnson seit Jahren feilte, das aber erst jetzt seine endgültige Form gefunden hat. Der Song reiht sich in die Tradition von Stücken ein, die Johnson über London geschrieben hat – ein Geflecht aus Geschichten und Melodien, welches sich unter anderem in “Perfect”, “Flesh & Bones”, “Heartland”, “The Beat(en) Generation”, “Helpline Operator”, “Pillar Box Red” und vielen weiteren widerspiegelt. The The – Some Days I Drink My Coffee By The Grave of William Blake (Official Video) https://www.youtube.com/watch?v=irmURXnkt54

An dem Song beteiligt sind Matt Johnson (Gesang und Akustikgitarre), Barrie Cadogan (E-Gitarre und Backgroundgesang), DC Collard (Keyboards), James Eller (Bass), Earl Harvin (Schlagzeug), Sonya Cullingford (Geige) und Gillian Glover (Backgroundgesang). “Ich habe oft meinen Kaffee am Grab von William Blake getrunken”, erzählt Matt Johnson. “In den letzten 40 Jahren lebte ich immer wieder in der Nähe, und dieser Ort war mir stets eine Quelle der Inspiration. Hier, inmitten der Ruhe, schien das Leben sich zu offenbaren – voller Nostalgie und der unaufhaltsamen Welle des Wandels. London, diese ewige Metropole, trägt den Puls der Veränderung in sich, auch wenn der Zynismus der Mächtigen unverändert bleibt”, so Johnson. “Some Days I Drink My Coffee By The Grave Of William Blake” HIER ANHÖREN

Das neue Album “Ensoulment” HIER VORBESTELLEN 
Der offiziellen Album Store HIER

Die Single erscheint zur Album-Veröffentlichung auch physisch als Teil eines exklusiven 7“-Vinyl Bundles, streng limitiert auf 300 Exemplare.  Alle drei 7inch Vinyl-Singles enthalten eine exklusive, bisher unveröffentlichte B-Seite. Ensoulment, erscheint am Freitag, den 6. September 2024 auf Cinéola / earMUSIC. Das Album wird als limitiertes CD Hardcover Mediabook, CD Jewelcase, Black 2LP Gatefold und limitiertes Crystal Clear 2LP Gatefold erhältlich sein. Weitere exklusive Formate sind im offiziellen Album Store zu finden. THE THE und Tim Pope blicken auf eine lange gemeinsame Geschichte zurück, in der sie an einer Vielzahl von Videos und Projekten gearbeitet haben. Darunter der Konzertfilm zu The Comeback Special – aufgenommen in 2018 in der Royal Albert Hall und 2021 veröffentlicht -, der legendäre Infected The Movie von 1987 – die erste Video-Album-Veröffentlichung in Langform überhaupt -, der Versus The World-Film des Konzerts in der Royal Albert Hall von 1999 und From Dusk ‘Til Dawn von 1993 sowie viele Musikvideos im Laufe der Jahre, darunter ‘Pillar Box Red’, ‘The Beat(en) Generation’, ‘Kingdom of Rain’, ‘Gravitate To Me’ usw. Vicki Bennett (People Like Us), gefeierte Videocollagen-Künstlerin, und Peter Knight (Fotograf) sind ebenfalls seit langem mit THE THE verbunden, da sie an den Videos zu ‘We Can’t Stop What’s Coming’ und dem ‘Stolen Moments’-Remix von ‘GlobalEyes’ von DJ Food mitgearbeitet haben und auch die kaleidoskopische, filmische Kulisse für die Welttournee von The Comeback Special geschaffen haben. Ensoulment enthält Einflüsse aus der facettenreichen musikalischen Vergangenheit von THE THE, ist aber auch repräsentativ für das Hier und Jetzt der Band. Johnson scheut sich nicht, die emotionale Komplexität des menschlichen Daseins zu thematisieren – Intimität in einem Zeitalter der Entfremdung; Demokratie in einem Zeitalter der Post-Wahrheit; Imperium und Vasallentum; und der unaufhaltsame Aufstieg der künstlichen Intelligenz – doch das Album steckt auch voller Hoffnung. “Es ist wichtig, hoffnungsvoll zu sein”, sagt Johnson. “Und ich hoffe, die Leute bekommen von dem Album das, was wir hineingesteckt haben. Es ist unter sehr glücklichen Umständen entstanden, mit einer großartigen Stimmung zwischen der Band und all den Leuten, die daran gearbeitet haben. Es wurde viel nachgedacht, viel gearbeitet, viel geliebt und viel gelacht!” THE THE kündigte außerdem vor kurzem eine weitere Welttournee an, die im September 2024 beginnen wird – die erste der Band seit ihrer erfolgreichen The Comeback Special Welttournee im Jahr 2018. Die ersten Daten in Großbritannien und Europa sind bereits innerhalb kürzester Zeit ausverkauft.
“Ensouled” Welttournee Ticketlinks (einschließlich Europa, Australien und Neuseeland) HIER.

17.09.24, Berlin – Huxleys
18.09.24, Köln – Carlswerk Victoria

Online:
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https://www.thethe.com/

Foto Caroline Traitler

Das Debütalbum von Weather Systems, mit dem Titel ‘Ocean Without A Shore’ wird am 27. September über Music Theories Recordings veröffentlicht. Es ist die neue Band des ehemaligen Anathema-Masterminds und Multiinstrumentalisten Daniel Cavanagh und des ehemaligen Anathema-Schlagzeugers und Produzenten Daniel Cardoso. Jetzt präsentieren sie ihren ersten neuen Titel “Do Angels Sing Like Rain?”. Offizielles Lyric-Video: https://youtu.be/VbTCpEqGfuc
Pre-Save Link Album ‘Ocean Without A Shore’: https://lnk.to/WeatherSystems
Musik ermöglicht es uns, Emotionen, Gedanken und Wahrheiten zu kanalisieren, die für eine bloße Unterhaltung zu transzendent sind. Im Wesentlichen überwindet sie Barrieren und ermöglicht einen Diskurs auf einer höheren Ebene. Daniel Cavanaugh hat schon immer über seine Musik kommuniziert. Als Mitbegründer, Lead-Gitarrist und Songschreiber von Anathema hat er über drei Jahrzehnte hinweg Generationen von Fans begeistert, weltweit gefeierte Alben herausgebracht und ausverkaufte Hallen bespielt. Jetzt steht er an der Spitze von Weather Systems und macht dort weiter, wo er aufgehört hat. Mit dem Debütalbum seiner neuen Band macht er 2024 selbstbewusst den nächsten Schritt auf seiner kreativen Reise. “Diese Platte ist direkter, ehrlicher und kommt von Herzen”, bekräftigt er. “Es nimmt dich mit auf eine Reise mit einigen sehr persönlichen, intensiven und emotionalen Songs. Für mich ist es spirituell. Die Musik kommt von einem höheren Ort, und ich hoffe, sie berührt euch.” Im Jahr 2019 widmete sich Daniel dem Schreiben des nächsten Anathema-Albums. Zwei Jahre zuvor hatten Anethema mit dem Album ‘The Optimist’ ihren kommerziellen Höhepunkt erreicht. Das Album wurde bei den Progressive Music Awards als “Album des Jahres” ausgezeichnet, schaffte es zum zweiten Mal in die Top 40 der britischen Albumcharts, in Deutschland sogar auf Platz 17 und beendete das Jahr 2017 auf den Jahresendlisten von Classic Rock, Metal Hammer und Eclipsed, um nur einige zu nennen.  Im Jahr 2020 einigte sich die Band jedoch auf eine unbefristete Auszeit. So entstand der Großteil von “Ocean Without A Shore” während dieser Anathema-Sessions. “Es war zu 80% eine Anathema-Platte, die wir gemacht hätten”, fährt er fort. “Es ist definitiv eine Fortsetzung dessen, was ich mit der Band gemacht habe. Wenn Anathema Game of Thrones war, dann ist Weather Systems House of the Dragon. Es ist Teil desselben Universums, aber es ist eine neue Geschichte. Es ist anders, weil es ein bisschen schwerer ist. Ich werde immer die Anathema-Songs spielen, die ich geschrieben habe, weil ich sie so sehr liebe. Weather Systems ist der Name unseres besten Albums, meiner Meinung nach. Ocean Without A Shore ist wie eine Fortsetzung.” Finalisiert hat er die Musik mit einigen bekannten Gesichtern. Erneut arbeitete er mit dem The Optimist-Produzenten Tony Doogan (Mogwai, Belle & Sebastian). Neben Anathema-Schlagzeuger Daniel Cardoso hinter dem Schlagzeug sind als Sänger Soraia, Petter Carlsen, Oliwia Krettek und Paul Kearns zuhören. Cavanagh selber fungiert als Sänger, spielt Klavier, E-Piano, Keyboards, Vocoder, elektrische und akustische Gitarre und Bass. Nun stellt Cavanagh mit seiner neuen Band Weather Systems die 1. Single mit dem Titel “Do Angels Sing Like Rain” vor. In dem Stück schlängelt sich ein helles Riff um einen treibenden Beat, während Daniel die Szene einleitet: “I just want to stay at the bottom of the lake, angels underneath singing me to sleep”. Das Tempo wird durch schimmernde Keyboards beschleunigt und gipfelt in einem kathartischen Refrain. “Mir gefiel die Symbolik des Satzes ‘Do Angels Sing Like Rain'”, fährt er fort. “Ich las gerade ein gutes Buch über Nahtoderfahrungen. Ich dachte, es sei eine nützliche Art, etwas Spirituelles zu beschreiben.” Wie alles, was Daniel bis jetzt gemacht hat, hat auch der Sound von Weather Systems die Kraft, zu verbinden.  “Anathema hatten nie wirklich ‘Gelegenheitsfans'”, sagt er. “Die Musik war so intensiv und emotional, und die Leute wurden davon auf einer tiefen Ebene berührt. Ich respektiere das wirklich, und ich versuche einfach, Musik zu schreiben, die in den Herzen und Seelen der Hörer nachhallt. I hope it heals.”
Mehr Infos unter:
facebook.com/profile.php?id=61562089611433   
https://www.instagram.com/weathersystemsband   
youtube.com/channel/UCUeJaiCuwajVqt-WRh7jXAA

Foto Fida Gothik

Das mit Spannung erwartete neue Studio Album «Songs Of Homecoming» von THE BEAUTY OF GEMINA wird am 13. September 2024 erscheinen. Die dritte Singleauskopplung des Albums “Symphony Of Solitude” entführt die Zuhörer in eine Welt voller emotionaler Tiefe und poetischer Bilder. Mit Zeilen, die das Herz berühren, und einer Melodie, die zum Aufbrechen einlädt, erzählt Michael Sele die Geschichte von Einsamkeit und Geborgenheit, von Chaos und Ruhe. Die kraftvollen Zeilen wie “You’re a symphony, my symphony of solitude” und “You bring shelter in the night, a white spot in the dark” fangen die Essenz menschlicher Gefühle ein und schaffen eine unmittelbare Verbindung zwischen Musik und Hörer. Untermalt von einem eindrucksvollen Arrangement mit symphonischen Klängen, vereint “Symphony of Solitude” klassische und moderne Elemente zu einem einzigartigen Hörerlebnis. Offizielles Video “Symphony of Solitude”: https://youtu.be/ksIDOKSMDm8?si=dfTL6hNVwVeL-x86
Album Pre-Order: https://geminastore.wazala.com/category/news-specials/
Weiter aktuell…
Offizielles Video “Veil Of Rain”: https://youtu.be/kQx9hIIqEPo?si=QHm9hhsiwLplOWER
Offizielles Video “Whispers Of The Seasons”  https://youtu.be/_dSxeUfmR34?si=u-ZRXjHAzmeP-sEY
Die Faszination von THE BEAUTY OF GEMINA liegt in der «dunklen Eleganz» der Musik. Sprich: Im Charisma von Songwriter und Sänger Michael Sele. Mit seiner beeindruckenden Stimme und einer Leidenschaft für das Erzählen von Geschichten durch Musik hat er sich einen festen Platz in den Herzen der Zuhörer weltweit erobert. Seit bald 18 Jahren werden Michael Sele und THE BEAUTY OF GEMINA nicht nur in ihrer Heimat und benachbarten Ländern gefeiert, sondern in ganz Europa sowie besonders in Mittel- und Südamerika, sodass ihre Tourneen sie schon um den halben Globus geführt haben. Mehr als 300 Konzerte in 25 Ländern liegen bereits hinter ihnen. Das neue Album verspricht die künstlerische Reise auf beeindruckende Weise fortzusetzen. “Symphony Of Solitude” ist eine Hymne an die unerschütterliche Kraft menschlicher Gefühle und die Magie des Heimkehrens. Mit diesem Lied beweisen THE BEAUTY OF GEMINA einmal mehr, dass sie zu den führenden Bands ihres Genres gehören und es verstehen, ihre Zuhörer in eine Welt voller Emotionen und musikalischer Raffinesse zu entführen. Die neue Single ist ein weiterer Vorgeschmack auf das mit Spannung erwartete neue Studioalbum “Songs Of Homecoming”, das am 13. September 2024 erscheinen wird.
THE BEAUTY OF GEMINA LIVE:

01.09.2024        Berlin (DE)                       Ernst Reuter Saal (Mit Katharina Thalbach)
26.09.2024        Zürich (CH)                      Bogen F
27.09.2024        St. Gallen (CH)                Grabenhalle
28.09.2024        Mels (CH)                         Altes Kino
01.10.2024        Leipzig (DE)                     Moritzbastei
02.10.2024        Hamburg (DE)                 Bahnhof Pauli
03.10.2024        Frankfurt (DE)                 Das Bett
04.10.2024        Kaiserslautern (DE)        Cotton Club
05.10.2024        Oberhausen (DE)           Kulttempel
06.10.2024        München (DE)                 Backstage
19.10.2024        Berlin (DE)                       Ernst Reuter Saal (Mit Katharina Thalbach)
08.12.2024        Chur (CH)                         Werkstatt (TRIO+)
13.12.2024        Bern (CH)                         ONO (TRIO+)
15.12.2024        Zürich (CH)                      Plaza (TRIO+)
Mehr Infos unter:
https://x.com/beautyofgemina

https://www.facebook.com/TheBeautyOfGemina

https://www.thebeautyofgemina.com/

Eine lebenslange Verbindung zu den Göttern und Göttinnen sowie der Kultur der antiken Welt, jährliche Besuche in den Tempeln und heiligen Stätten Griechenlands und Italiens sowie die Sehnsucht nach dramatischem Storytelling voller Blut, Schweiß und Tränen, die im Sand der Zeit getrocknet sind – all das kam für den ehemaligen NYHC-Gitarristen Gabby Abularach (CRO-MAGS, VOODOOCULT) mit der Eingebung zusammen, seine handgefertigte Flamenco-Gitarre wie eine antike griechische Lyra zu stimmen und schon bald begann er, die ersten Melodien zu schreiben, die später die Songs von DEA VELATA werden sollten. Inspiriert von der antiken griechischen und römischen Musik, der romantischen Periode der klassischen Musik, Flamenco, klassischer spanischer Musik und symphonischem Metal, begannen DEA VELATA mit rein akustischer Musik, entwickelten sich aber weiter und fügten klassische Orchesterinstrumente sowie symphonischen und Folk Metal hinzu. Anfang 2017 hatte Gabby gerade erst begonnen, sich mit der Harmonik, Mathematik, den Stimmungen, Modi und der Ästhetik der antiken griechischen und römischen Musik zu befassen und sie zu studieren. In Kombination mit der betörenden Sopranstimme von Angela Hicks ergibt sich eine Verbindung der Extraklasse, die die Hörer in das goldene Vlies der mythologischen Musikalität von DEA VELATA einbettet. DEA VELATAs zweite Single “PHEBEVS FVROR” (Phebean Wrath), die auf dem kommenden Album enthalten ist, basiert auf dem ersten Buch der Ilias von Homer und erzählt die Geschichte der Rettung des trojanischen Mädchens Chryseis vor der Entführung durch den griechischen König Agamemnon. Ihr Vater Chryses, der trojanische Hohepriester des Apollo, wurde von Agamemnon beleidigt, als er kam, um sie freizukaufen und betete zu Apollo um Hilfe. Apollo, erzürnt über die Beleidigung seines Priesters und die Entführung seiner Tochter, hilft Chryses bei der Rettung seiner Tochter Chryseis und bestraft die Griechen mit einem neuntägigen Massaker. In der griechischen Mythologie ist Apollo eine vielseitige Gottheit – er ist nicht nur der Gott der Musik, des Lichts und der Poesie, sondern auch derjenige, der bestraft und zerstört. Diese Dualität wird in dem neuen Musikvideo zu “PHEBEVS FVROR” theatralisch und metaphorisch zum Ausdruck gebracht. Darin erweckt Angela die darstellenden Künste des alten Roms und Griechenlands zum Leben – sie singt nicht nur, sondern schauspielert auch im Video und schlüpft in visueller Form in die Rollen, die sie besingt. Wir sehen düstere Lagerhallen, rangelnde Gangster und Fechtduelle im Kontrast zu Angela Hicks’ anmutiger Darbietung als reine, engelsgleiche Figur, die die natürliche, fragile weibliche Schönheit verkörpert, um die Männer kämpfen und an der antike Reiche in der Vergangenheit zugrunde gegangen sind. Als Liebhaberin von allem, was antik und mittelalterlich ist, verkörpert Angela Hicks den Geist dieser mythologischen und musikalischen Reise perfekt. Lasst euch von der Videosingle “PHEBEVS FVROR” mitreißen:
https://www.youtube.com/watch?v=bQ6REZ48OrY
“PHEBEVS FVROR” HIER anhören: https://distrokid.com/hyperfollow/deavelata/phebevs-fvror

Das gleichnamige erste Album der Band “DEA VELATA” wird am 16. Oktober 2024 veröffentlicht. Mit elf Titeln will das brillante Ensemble die Klänge, das Bewusstsein und den Geist der antiken Welt in der heutigen Zeit wieder aufleben lassen. Der Sound von DEA VELATA bietet wirklich etwas Einzigartiges, etwas Neues, etwas, das die Seele heilt, den Geist erhebt und die Menschen mit der Schönheit und Magie der klassischen Welt der Antike verbindet. Der italienische Dichter Stefano Losi schreibt die Lyrics in Form von zeitgenössischer Poesie auf kaiserlichem Latein, die dann behutsam auf symphonischen Metal-Flügeln getragen werden. “Die Texte und die Poesie bieten eine persönliche Perspektive auf die existenzielle Unruhe, die dem menschlichen Dasein innewohnt und all ihre konkreten Erscheinungsformen, von der tiefsten Verzweiflung bis zur reinsten Liebe. Sie stellen eine imaginäre Verbindung zu den Texten der Poetae Novi des 1. Jahrhunderts her, die in meiner eigenen Poesie wieder auftauchen, gefiltert durch eine klare zeitgenössische Sensibilität, die die Ewigkeit des Lebens und den zeitlosen Wert der Emotionen neu gestaltet”, sagt der talentierte Lyriker. Das vollständige Album “DEA VELATA” erscheint am 16. Oktober 2024. In elf Stücken zelebriert es zeitgenössische Dichtung in klassischem Latein – eingewoben in die Musik der griechischen und römischen Antike mit neoklassischer Note und starkem Faden aus Symphonic Metal. Erste Single “OBITVS” anhören: distrokid.com/hyperfollow/deavelata/obitvs
Vdeosingle “OBITVS” auf YouTube ansehen: https://www.youtube.com/watch?v=8s4QJtN-4ng

Das gerade warmlaufende Musikensemble spielte am 25. Juni ein von der Kritik gefeiertes exklusives 5-Song-Akustik-Set im Circulo de Bellas Artes in Spanien, wo sie das “OBITVS”-Video vorstellten. Bei einem Live-Auftritt von DEA VELATA könnt ihr eine breite Palette von Klängen erwarten, von intimen klassischen, akustischen Duetten mit Gabby und Angela bis hin zu vollem symphonischen Metal. Die talentierten Künstler tauchen in die echte alte Musik ein und erwecken sie in einer modernen Welt zum Leben – eine Kombination, die sie von anderen Bands abhebt und ihre Live-Events zu einem gehobenen Erlebnis macht, das nicht weniger beeindruckend oder kathartisch ist als eine klassische Theateraufführung im alten Rom. Ein Live-Mitschnitt des eindrucksvollen Auftritts wurde in einer Zusammenstellung mit Interviews veröffentlicht, die als kurze Dokumentation über das Ereignis dient, interessante Einblicke bietet und uns auf ihre musikalische Reise mitnimmt. Genießt HIER den akustischen Live-Auftritt von DEA VELATA beim Circulo de Bellas Artes:
https://www.youtube.com/watch?v=K_SVCHO6wJA

Nach der Veröffentlichung von zwei Singles, einer weiteren bevorstehenden Videosingle- sowie Albumveröffentlichung, werden DEA VELATA am 7. November 2024 ein Akustik-Event bei den Vereinten Nationen in New York spielen und planen drei weitere Shows in der Umgebung. Also bleibt dran, um mehr zu erfahren!

DEA VELATA online:

https://www.facebook.com/deavelataofficial
https://www.instagram.com/deavelataofficial/
https://www.youtube.com/@DEAVELATA
http://deavelata.bandcamp.com/

Photo Credit (c) Nils Baukus

GRAUPAUSE veröffentlichen anlässlich der anstehenden Landtagswahlen ihre neue Single “Nazis raus” – jetzt überall im Stream und mit Video auf YouTube: https://ffm.to/nazisraus https://www.youtube.com/watch?v=USA7f3qk9Hs

Die Band selbst über den Song: “Nazis raus. Eine Parole mit klarer, unmissverständlicher Botschaft. Eine Parole, die immer und aktuell ganz besonders wichtig ist – und die wir deshalb ganz bewusst als Titel für unseren neuen Song gewählt haben. „Nazis raus“ ist eine Warnung vor den Gefahren von rechts, soll vor allem aber ein Mutmacher sein, sich dem braunen und blauen Wahnsinn überall entschlossen in den Weg zu stellen. Denn das politische und gesellschaftliche Klima kippt seit einiger Zeit immer weiter nach rechts. Fremdenfeindlichkeit, Hass und Hetze sind in unterschiedlicher Form längst wieder an der Tagesordnung. Mit dem Resultat, dass die AfD bei den Landtagswahlen in Sachsen, Thüringen und Brandenburg erstmals stärkste Kraft werden könnte. Vom zunehmenden Rechtsruck in Europa und dem Rest der Welt ganz zu schweigen… Trotzdem und gerade deshalb: Aufgeben ist keine Lösung. Nie wieder ist jetzt. Nazis raus!”
GRAUPAUSE auf Tour
06.09.2024 GER-Düsseldorf, tba
07.09.2024 GER-Erfurt, AJZ
21.09.2024 GER-Münster, Rare Guitar
18.10.2024 GER-Fürth, Kopf & Kragen
19.10.2024 GER-Brand-Erbisdorf, IMI
21.02.2025 GER-Wuppertal, Die Börse

GRAUPAUSE sind:
Sven – Gesang
Tom – Gitarre
Jens – Gitarre
Patrick – Bass
Jan – Schlagzeug

Online:

https://www.facebook.com/graupausepunkrock

https://www.graupause-punkrock.de/

Photo Credit © Maximilian König

Mit „Meer“ veröffentlicht RAUM27 ihre Debüt-Single zum frisch angekündigten zweiten Album „Keine Tränen“, das am 07. Februar 2025 erscheinen wird. In „Meer“ setzen Tristan und Mathis auf mitreißende Melodien und tiefgründige Texte, um die vielseitigen Facetten von Nähe und Distanz zu thematisieren. https://ffm.to/meer

„Meer“ nimmt seine Hörer*innen mit auf eine musikalische Reise, die die Ambivalenz von Zuneigung und Sehnsucht thematisiert. Der Song entfaltet sich als ein gefühlvoller Dialog zwischen der Schönheit des Augenblicks und dem Bedürfnis nach mehr – nach tieferer Verbindung, nach einem Platz in der Welt, an dem man wirklich angekommen ist. Dabei stellt das Meer eine zentrale Metapher dar, die für Beständigkeit und Gleichgewicht, aber auch für die Unberechenbarkeit der Emotionen steht. So ist „Meer“ ein Sinnbild für die Weite und die Widersprüche, die in zwischenmenschlichen Beziehungen stecken: „Manchmal reicht mir ein Tag am Meer. Weniger selten wünsche ich mir mehr…“. RAUM27 schaffen es, diese Gefühle in ihre Musik zu übertragen und die Naturkulisse des Meeres mit den Gefühlen von Ungewissheit und Sicherheit zu verbinden, die viele in ihren Beziehungen erleben. „Ich bin am Meer aufgewachsen. Es ist halt einfach da“, und doch bleibt die Frage offen, ob die beständige Ruhe des Meeres wirklich reicht – die Ambivalenz von Zuneigung, das Ringen zwischen Ankommen und Weitersuchen. Sänger Tristan fasst die Essenz des Songs wie folgt in seinen eigenen Worten zusammen: „Ich schaue dir so gerne zu, wenn du die kleinen Dinge tust, die ich ohne dich nicht sehe. Wenn du den kleinen Momenten Bedeutungen schenkst, die ich erst nachschlagen muss. Wie das Meer und die sich darin spiegelnde Vielseitigkeit von Zuneigungen. Manchmal reicht mir ein Tag am Meer. Weniger selten wünsche ich mir mehr. Ich bin am Meer aufgewachsen. Es ist halt einfach da. Und jetzt spiegelt sich dein Lachen in den Salzkristallen des Wassers, dass mich leichte Bewegungen der Wellen aus dem Gleichgewicht bringen. Drohe ich zu fallen, hältst du mich. Felsenfest. Im Sand versinken meine Straßenschuhe. Ich war lange nicht mehr hier. Ich bleibe, solange ich kann.“ „Meer“ ist der erste Vorbote des kommenden Albums „Keine Tränen“, das den nächsten großen Schritt in der musikalischen Entwicklung von RAUM27 markiert. Das Duo bleibt sich treu, indem es erneut die Verbindung von emotionaler Tiefe und gesellschaftlich relevanten Themen in den Mittelpunkt stellt. https://ffm.to/keinetraenen

Die Single setzt einen starken Auftakt und gibt einen vielversprechenden Ausblick auf das, was das neue Album bereithält. „Meer“ ist ab sofort auf allen gängigen Streaming-Plattformen verfügbar.
RAUM27 – Tour 2025
26.02.2025 Salzburg, Rockhouse
27.02.2025 Wien, Flex
28.02.2025 Nürnberg, Hirsch
01.03.2025 Göttingen, MUSA
06.03.2025 Freiburg, Waldsee
07.03.2025 Stuttgart, Im Wizemann
08.03.2025 München, Backstage
13.03.2025 Würzburg, Posthalle
14.03.2025 Leipzig, Felsenkeller
15.03.2025 Köln, Live Music Hall
19.03.2025 Marburg, KFZ
20.03.2025 Berlin, Hole44
22.03.2025 Hamburg, Markthalle
27.03.2025 Wiesbaden, Schlachthof
28.03.2025 Hannover, Faust
29.03.2025 Münster, Skaters Palace

Ticketlink: https://raum27.reservix.de/events

Das kommende Album “Keine Tränen” hier vorbestellen: https://ffm.to/keinetraenen 

https://www.facebook.com/Raum27

https://www.raumsiebenundzwanzig.de/

Fotos – Selene Adores

Die Metalcore Newcomer IMMUNITY veröffentlichen ihr neues Album “Dark Side of the Earth” am VÖ 01. November 2024. Nach dem Vorgänger “Breathe” ist es das 2. Album der Band aus Nürnberg. Nach der Veröffentlichung des offiziellen Videos zu “COLD CASE” gibt es nun die Video Premiere zur neuen Single “Of War And Peace (feat. Parallyx)”: https://youtu.be/RZi2VAVzy2s?si=yGTNCAincMxF7LgA
Zur neuen Single gibt es folgende Zitate von Lina und Dominik… Lina: „The song immediately drew me in. The lyrics are powerful and it was easy for me to live it to the fullest. The result was outstanding, mainly because I love how Nik’s voice and mine complete each other.“ Dominik: “I had the idea for this duet for years. When I heard Lina’s voice, I knew we had to do this together. The song questions the purpose of war. Many world leaders still try to tell us that war is the only way to preserve peace. Instead, it is used for reasons that no one can ethically justify. Lina and I take different stands on war and peace. My favorite part is when peace loses it over war and Lina starts screaming!”
Lina’s Instagram: https://www.instagram.com/linapllx?igsh=MXZ1dXcybXBoeHd6aw==
Parallyx: https://www.instagram.com/parallyx_official?igsh=YjcyZHV2eGprbWsx
“Dark Side of the Earth” ist das zweite Album der Nürnberger Metalcore Band IMMUNITY. Das Album ist inhaltlich vor allem geprägt von dem schweren Verlust des Sängers und Texters Dominik “Nik” Maiser, der während der Albumproduktion seine Frau verloren hat. Sie starb nach einem mehrjährigen Krebsleiden. Der Song “Unhinged” beschreibt, wie ihm das Leben aus den Angeln gehoben wurde. Nik ging direkt nach den Aufnahmen in eine psychiatrische Klinik um die Last der letzten Jahre verarbeiten zu können. Das Album greift inhaltlich verschiedene psychische Belastungen auf und soll Menschen sensibilisieren sich Hilfe zu suchen oder andere dabei unterstützen Hilfe zu finden, die es vielleicht nötig haben. Musikalisch knüpft das neue Album an den Vorgänger “Breathe” an. Es wurde wieder mit Produzent Christoph Wieczorek und Sawdust Recordings in Halle (Saale) gearbeitet. Hier wurde neben dem Recording auch die restliche Produktion, Mixing und Mastering gemacht. Tiefe Gitarren bestimmen auch weiterhin den typischen IMMUNITY-Sound. Dazu viele Refrains mit Ohrwurmgarantie und geschickt eingesetzte Effekte, die es Wert sind auch auf den Hintergrund der oft üppigen Songs zu achten.
IMMUNITY sind:
Dominik Maiser (Vocals)
Adrien Dembowski (Guitar)
Max Neuner (Bass)
Johannes Noderer (Drums)

Mehr Infos unter:
https://immunityband.de/
https://www.instagram.com/immunityband.de/
https://www.facebook.com/immunityband.de